Natureza Morta com Fruta e Roemer

Uma bolsa de estudos recente estabeleceu que Pieter Claesz, o pintor holandês por excelência, chegou a Haarlem vindo das províncias do sul. O efeito de Antuérpia pode, de fato, ser traçado nos seus primeiros trabalhos, mas no final da década de 1620, aplicando em naturezas-mortas a técnica de pintura tonal difundida entre pintores paisagistas holandeses, ele desenvolveu o seu próprio estilo idiossincrático. As suas pinturas transmitem assim um gosto protestante puritano, em flagrante contraste com as naturezas-mortas coloridas e decorativas dos mestres Flamengos. O que ficou conhecido como mesa "monocromática", natureza-morta ainda era muito popular e, Pieter Claesz, logo teve muitos seguidores e imitadores, ou seja, originou uma escola. O segredo dos seus efeitos era uma composição de poucos elementos, objetos vistos em close-ups realistas, concentrando-se em retratar materiais com um naturalismo quase tangível. No entanto, o conjunto atraente de objetos finos e comestíveis, através de uma justaposição aparentemente aleatória de motivos, coloca-nos a pensar, e à medida que nos demoramos nos detalhes, somos atraídos para o mundo íntimo do artista.

Esta natureza-morta de tamanho incomum, enriquecida com elementos decorativos e pintada com um associado, é uma peça especial da sua obra. Não era incomum que os mestres neerlandeses, que produziam para o mercado, se especializassem em certas tarefas e, portanto, trabalhassem juntos numa determinada pintura. O que era raro, no entanto, era que diferentes objetos de uma natureza morta fossem inseridos numa composição coerente por diferentes mãos. Uma vez que este é o único exemplo sobrevivente do trabalho de Pieter Claesz. Onde o seu próprio monograma e a assinatura de outro artista, juntamente com a data, são claramente legíveis, ele fornece evidências significativas da sua cooperação. A parte mais forte e mais pronunciada, com a enorme taça Roemer e o Berkemeyer caído ao lado, e os pedaços de pão na placa de metal e a toalha de mesa branca com dobras densas, são obra de Pieter Claesz, e as esplêndidas peças de frutas que ocupam a maior parte da imagem são por Roelof Koets. No entanto, o lado esquerdo altamente modelado e o lado direito, mais colorido e ocupado, combinam-se em um todo totalmente coerente. Em contraste com um tom castanho-esverdeado de tom verde-oliva, a iluminação acentuada realça o pano branco e o pão, o vinho refletindo dourado no vidro com o seu reflexo da janela, as maçãs e o cacho de uvas inchadas.

O conteúdo dos dois lados também é mutuamente complementar. O vinho e o pão destacados, símbolos da Eucaristia, aludem ao sangue e ao corpo de Cristo. A maçã sugeriria aos espectadores contemporâneos a Queda, e as uvas são outro símbolo de Cristo: assim como o corpo do Messias foi quebrado, as uvas são quebradas para fazer uma bebida nobre. As alegorias da Queda e da Redenção podem nos parecer um tanto exageradas numa natureza morta de beleza tão sensual, mas na Holanda protestante os fenômenos naturais e os objetos do cotidiano tinham a função de transmitir pensamentos religiosos. E talvez a mensagem piedosa escondida fornecesse uma espécie de desculpa para o artista pintar, e para os cidadãos puritanos desfrutarem os prazeres e belezas da vida em sumptuosa abundância.