El entierro de Cristo

Caravaggio creó uno de sus retablos más admirados, El Entierro de Cristo, en 1603–1604 para la segunda capilla a la derecha en Santa Maria en Vallicella (Chiesa Nuova), una iglesia construida para el Oratorio de San Felipe Neri. Una copia de la pintura está ahora en la capilla, y el original está en la Pinacoteca del Vaticano. La pintura ha sido copiada por artistas tan diversos como Rubens, Fragonard, Géricault y Cézanne. Esta pintura de contrarreforma, con una cascada diagonal de dolientes y portadores de cadáveres que descienden hacia el Cristo muerto y muerto, y la piedra desnuda, no es un momento de transfiguración, sino de luto. A medida que el ojo del espectador desciende de la penumbra, también hay un descenso de la histeria de María de Clopas a través de la emoción moderada a la muerte como el silenciamiento emocional final. A diferencia de la cruzada crucifixión de Jesús en pantallas mórbidas en español, los Cristos italianos mueren generalmente sin sangre, y se desploman en una pantalla geométricamente desafiante. Como si enfatizara la incapacidad de Cristo para sentir dolor, una mano entra a la herida a su lado. Su cuerpo es uno de un trabajador musculoso, veteado, de extremidades gruesas, en lugar de la representación usual, delgada como un hueso. Dos hombres llevan el cuerpo. Juan el evangelista, identificado solo por su apariencia juvenil y su capa roja, sostiene al Cristo muerto en su rodilla derecha y con su brazo derecho, abriendo la herida sin darse cuenta. Nicodemo agarra las rodillas en sus brazos, con los pies plantados en el borde de la losa. Caravaggio equilibra la posición estable y digna del cuerpo y los esfuerzos inestables de los portadores. La piedad florentina de Miguel Ángel (1547–1553), Museo de la Ópera del Duomo, Florencia. Aunque las caras son importantes en la pintura en general, en Caravaggio es importante tener en cuenta dónde apuntan los brazos. Hacia el cielo en La conversión de San Pablo en el camino a Damasco, hacia Levi en La vocación de San Mateo. Aquí, el brazo caído de Dios muerto y la cubierta inmaculada tocan la piedra; la afligida María Magdalena gesticula al cielo. De alguna manera, ese fue el mensaje de Cristo: Dios vino a la tierra y la humanidad se reconcilió con los cielos. Como de costumbre, incluso con sus obras de mayor devoción, Caravaggio nunca falla en la tierra. La tradición sostenía que la Virgen María sería representada como eternamente joven, pero aquí Caravaggio pinta a la Virgen como una anciana. La figura de la Virgen María también está parcialmente oculta detrás de Juan; la vemos con la túnica de una monja y con los brazos extendidos a su lado, imitando la línea de la piedra sobre la que están parados. Su mano derecha se cierne sobre su cabeza como si estuviera estirándose para tocarlo. Las otras figuras fueron identificadas por Bellori como "Marys" podrían ser Mary Magdalene y "the other Mary". La figura de la izquierda imita el traje de la Magdalena Penitente de Caravaggio; La figura correcta nos recuerda a su María en la conversión de la Magdalena. Andrew Graham-Dixon afirma que estas figuras fueron modeladas por Fillide Melandroni, un modelo frecuente en sus obras y con unos 22 años de edad en ese momento.