Pieter Claesz
Ostatnie stypendium wykazało, że Pieter Claesz, holenderski malarz, faktycznie przybył do Haarlemu z południowych prowincji. Efekt Antwerpii rzeczywiście można prześledzić w jego wczesnych pracach, ale pod koniec lat dwudziestych XVI wieku, stosując w martwych naturach tonalną technikę malarską rozpowszechnioną wśród holenderskich malarzy pejzażystów, Claesz opracował swój własny idiosynkratyczny styl. Jego obrazy przekazują purytański protestancki smak, uderzająco kontrastując z kolorowymi i dekoracyjnymi martwymi naturami flamandzkich mistrzów. Sekretem jego efektów była kompozycja kilku elementów - przedmiotów oglądanych w realistycznym zbliżeniu - koncentrujących się na portretowaniu materiałów z niemal namacalnym naturalizmem. Jednak atrakcyjny zestaw drobnych przedmiotów i artykułów spożywczych, poprzez pozornie przypadkowe zestawienie motywów, daje do myślenia. Pozostając przy szczegółach, zostajemy wciągnięci w intymny świat artysty.
Ta niezwykle duża (105 x 146 cm) martwa natura, wzbogacona elementami dekoracyjnymi i namalowana ze wspólnikiem, to szczególny element w twórczości Claesz. Nierzadko niderlandzcy mistrzowie, którzy malowali na sprzedaż, specjalizowali się w niektórych zadaniach, a zatem pracowali razem nad konkretnym obrazem. Rzadkie było jednak umieszczanie różnych przedmiotów martwej natury w spójnej kompozycji różnymi rękami. Ponieważ jest to jedyny zachowany przykład twórczości Pietera Claesza, w którym zarówno jego monogram, jak i podpis innego artysty (wraz z datą) są wyraźnie czytelne, stanowi to znaczący dowód ich współpracy. Mocniejsza, bardziej wyraźna część, z ogromnym kubkiem Roemer i leżącym obok nim upadłym Berkemeyerem, a także kawałki chleba na metalowej płycie i białym obrusie z gęstymi fałdami, są dziełem Pietera Claesza, podczas gdy wspaniałe przedmioty owocowe zajmują większe pole obrazu autorstwa Roelofa Koetsa. Niemniej jednak mocno wymodelowana lewa strona i bardziej miękka, ale i bardziej kolorowa i zajęta dekoracyjna prawa strona łączą się w całkowicie spójną całość. Na tle brązowawego, oliwkowo-zielonego tonu ostre oświetlenie podkreśla białą tkaninę i chleb, wino miga złotem w szkle z odbiciem okna, jabłek i napęczniałych winogron.
Treść obu stron wzajemnie się uzupełnia. Wyróżnione wino i chleb, symbole Eucharystii, nawiązują do krwi i ciała Chrystusa. Jabłko sugerowałoby współczesnym odbiorcom Upadek, a winogrona są kolejnym symbolem Chrystusa: tak jak ciało Mesjasza zostało rozbite, aby odkupić ludzkość, tak winogrona są rozbite, aby zrobić szlachetny napój. Alegorie upadku i odkupienia mogą nam się wydawać nieco przesadzone w martwym życiu o tak zmysłowym pięknie, ale w protestanckiej Holandii zjawiska naturalne i przedmioty codziennego użytku miały funkcję przekazywania myśli religijnych. Być może ukryte pobożne przesłanie stanowiło pretekst dla artysty do malowania, a dla purytańskich obywateli do czerpania przyjemności i piękna życia w obfitości.