Nature morte avec fruits et Roemer

Une étude récente a démontré que Pieter Claesz, peintre néerlandais, était venu à Haarlem depuis les provinces du sud. On peut certes retrouver l’influence d’Anvers dans ses premières œuvres, mais à la fin des années 1620, en appliquant dans ses natures mortes la technique de "peinture tonale" très répandue chez les paysagistes néerlandais, il développe son propre style caractéristique. Ses peintures véhiculent ainsi un goût protestant puritain, contrastant avec les natures mortes colorées et décoratives des maîtres flamands. Le secret de ses effets réside dans une composition faites de quelques éléments, des objets vus de façon réaliste, une représentation des matériaux d’un naturalisme presque tangible. Cependant, la gamme attrayante d'objets fins et de produits comestibles, par une juxtaposition apparemment aléatoire de motifs, nous fait réfléchir et lorsque nous nous attardons sur les détails, nous sommes entraînés dans le monde intime de l'artiste. Cette nature morte d'une taille inhabituelle, enrichie d'éléments décoratifs et peinte avec un "associé", est une pièce spéciale de son œuvre. Il n'était pas rare à cette époque, que des maîtres néerlandais, qui produisaient pour le marché de l'art, se spécialisent dans certains domaines et travaillent donc en duo sur un tableau particulier. Ce qui était rare, cependant, était que différents objets d'une nature morte soient insérés dans une composition cohérente par différentes mains. Comme il s'agit du seul exemple encore existant de l'œuvre de Pieter Claesz où son monogramme et la signature d'un autre artiste, ainsi que la date, sont clairement lisibles, il constitue une preuve évidente de leur coopération. La partie la plus forte et la plus prononcée, avec l’énorme verre de Roemer et le Berkemeyer déchu à côté, les morceaux de pain sur la plaque de métal et la nappe blanche à plis épais, est l’œuvre de Pieter Claesz et les splendides fruits qui occupent une grande partie de l'image sont de Roelof Koets. Voyez comme le côté gauche très modelé et le côté droit plus doux, mais plus coloré et très décoratif, se combinent pour former un tout parfaitement cohérent. La lumière vive met en valeur le drap blanc et le pain, le vin étincelant d'or dans le verre avec son reflet dans la fenêtre, les pommes et la grappe de raisin pulpeuse. Le contenu des deux côtés est également complémentaire. À noter le vin et le pain, symboles de l’Eucharistie, font allusion au sang et au corps du Christ. La pomme suggère aux téléspectateurs contemporains la chute, et les raisins sont un autre symbole du Christ: comme le corps du Messie était brisé, les raisins sont cassés pour en faire une boisson noble. Les allégories de la chute et de la rédemption peuvent nous sembler quelque peu exagérées dans une nature morte d'une beauté si sensuelle, mais en Hollande protestante, les phénomènes naturels et les objets du quotidien avaient pour fonction de transmettre des pensées religieuses. Et peut-être le message pieux caché a-t-il fourni à l'artiste une sorte d'excuse pour que les citoyens puritains puissent profiter des plaisirs et des beautés de la vie d'abondance.